真正的音色,来自心灵深处

 


钢琴的音色

钢琴是源自西洋古典音乐中的一种键盘乐器,其音域宽广,音色洪亮、清脆,富于变化,表现力很强。控制钢琴的音色是钢琴演奏的重中之重,通过演奏者发自内心的歌唱,与技术上的配合,充分发挥钢琴的音色,演奏出优美的音乐。——1、不应该用贝多芬的声音弹莫扎特丨谈钢琴的音色;2、真正的音色,来自灵魂深处;3、如何提升对钢琴音色的审美?


 钢琴(Piano)西洋古典音乐中的一种键盘乐器,用于独奏、重奏、伴奏等演出,弹奏者通过按下键盘上的琴键,牵动钢琴里面包着绒毡的小木槌,继而敲击钢丝弦发出声音。钢琴声如天籁,被称为乐器之王,其韵律节奏和音色有着直接的关系。下面笔者将简单地分析如何把握和获得最恰当的钢琴音色。


一、钢琴上怎样体现音色

 控制钢琴的音色是钢琴演奏的重中之重,控制力简单概括就是技术的控制。这里包括灵活、独立、力度、速度,以及踏板、指法、触键……整体上讲则是完美地配合、协调的关系。只有在长期的实践中仔细理解和体会,才能在演奏过程中将钢琴音色得以很好的掌控。

(一)踏板的运用对音色的影响

 在钢琴的演奏中踏板起着重要的作用。钢琴是由最早的弹拔弦乐器发展而来,它有个弱点,即其音色一发出,就很快减弱。所以就某一个音来说,琴键弹下去,想要再做变化和改正就不可能。而弦乐器有揉弦,可以做强弱的变化。浪漫主义时期的音乐大量的运用了踏板,极大地丰富了钢琴的表现手段。每个乐句的语气――起伏、句头、高点、句尾等,内心要形成一种自然而然的的感觉。当然,这都要运用到踏板、提高弹奏的歌唱性,做出乐句与乐句之间的关系变化和发展,把旋律声部表现出来。比如门德尔松《威尼斯船歌》:踏板的处理有助于把左右手的旋律清晰地表达出来。

(二)巴洛克时期的音色

 这一时期的古钢琴的音色特点是音质较硬,偏于金属的泛音,而且延音消失很快,很难通过触键来控制声音的大小强弱。由于过去的琴没有制音器,弹下去一个音,即便很快地抬起手来,也不可能听到那种斩钉截铁的声音,音乐的消失往往要有一段时间的持续。因而在现代的钢琴上演奏巴赫,就不能像弹现代作品时那样弹奏巴洛克钢琴作品。弹奏时要减少指尖触键的面积,在手指弹性的触键时留有余地,指尖对琴键有些许的留恋,但瞬间必须跳跃开,使音色饱满圆润却不张扬,热情,积极向上,颗粒性饱满,又有流畅性。同时,巴洛克时期的音乐基本主要以复调音乐横向线条为走向,几条旋律线互相穿插,你追我赶、却不分主次。例如巴赫的《十二平均率》,巴赫在乐谱上并没有标上明确的奏法。而作品本身旋律线条互相贯穿与交叠,思维发展复杂。


二、聆听者耳中的音色

(一)钢琴音乐中的艺术音色

 音乐是在时间的展示中流动的艺术,音乐用不同的发声方式形成各种声音、音色。各种器乐都有自身擅长的音色,而整个音响的世界就是由这些不同的具体的音乐形象构成的。钢琴,从构成上来说是一件纯粹的敲击乐器,通过演奏者发自内心的歌唱,与技术上的配合,就有了优美的音乐。这个有着“交响乐队”的乐器,比较适合多声部的演奏,比如拉赫马尼诺夫的钢琴协奏曲,好比是庞大的乐队在演奏,那属于一个民族的广阔的忧郁和绅士般的悲怆。

(二)钢琴和声

 钢琴是一种擅长于演奏多声部的乐器,它用立体性的思维方式表现感情,而这种立体型就体现在它以和声性的多声部思维方式展示。从和声的发展历史来看,巴赫是确立大、小调功能体系和声的前身,体现出功能和声的影子。即使到了18世纪中叶为止,在当时和声所能达到的基础上,巴赫的功劳也是显而易见的,他甚至被贝多芬称之为“和声的创造者”。这种和声性的思维在古典主义之前最有效的演奏和声的乐器就是钢琴。有人说巴赫的作品最后都是感恩与上帝的,因为巴赫的作品在结尾处的尾奏部分往往使用的是一种完满终止,即Ⅳ→K46→Ⅴ→Ⅰ这种极具有宗教色彩的结尾,很大程度上是在模仿宏伟的“全奏的风琴”效果,而要在现代钢琴上表现出这种效果则必须踩踏板。从音乐的旋律特征上讲,他的音乐的以模仿手法多声部为基础,虽然造成音乐连绵不断的交织、发展,但却欠缺后来古典派的方整、段落分明和结构清晰,而这却正是巴赫的特性。显然,我们是不能用乐句、乐段去分析巴赫的,而是在演奏中需要按照巴赫的风格去把握钢琴的音色。

 总之,对感受钢琴音乐的能力,首先是要靠大量的听觉练习来实现的,而对自己所演奏的钢琴音乐有无敏锐的感觉能力,是钢琴演奏成功的之本。钢琴演奏心理与音响协调同步是演奏成功的关键。听声音与发出声音是一种连环性的反应,越是用心去“听”,就越能把发自心里的歌唱很自然地和手结合起来。

    比如古尔德在弹奏的时候,只要遇见单手的演奏段落,他一只手会不由自主地去“指挥”另一只正在弹奏的手,可以感受到他的内心正在歌唱着,而且很投入地歌唱着。他爱把贝多芬弹得广袤无垠,而肯佩夫将其弹得豪放不羁,巴伦伯依姆怪异离奇,阿什肯那奇光鲜剔透……每位钢琴演奏者都以自己独特的感情体验,不同程度地体现着音乐的冷暖色调和空间层次感的关系。每位演奏者都要做到自然的状态,呈现出肩、臂、肘、腕得放松状态。这就是为了演奏出美妙的钢琴音色而形成一个良好的起点。而听觉的灵敏是在实践中逐渐积累起来的,这个过程中要倾听指尖触键的不同音色。钢琴的音域宽广,音色洪亮、清脆,富于变化,表现力很强。独奏时,可演奏各种气势磅礴、宽广、抒情的音乐,亦可演奏欢快、灵巧、技巧性很高的华彩乐段。钢琴在乐队中,可发挥巨大的作用,它还经常作为伴奏乐器使用。在一定程度上来说,演奏钢琴的时候是锻炼脑、手、眼、耳、腿脚的协调运用的过程,只有协调的演奏才能发挥钢琴美妙的音色。

往期德彪西:1、古典音乐的德法之争丨十九世纪法国音乐是如何冲破德国音乐束缚的?民族乐派的兴起使法国成了新潮潮音乐的先锋,并引领了整个欧洲音乐;2、贝多芬《月光奏鸣曲》第一乐章与德彪西《月光》分析比较;3、亲爱的,音乐是用音符写出来的,而不是思想丨德彪西丨马拉美丨《牧神午后》;4、现代西方音乐的德法之争丨德彪西、马拉美与巴黎的悠闲丨“萨蒂之所以重要在于他引导法国新一代作曲家摆脱处于瓦格纳影响下的印象主义”;5、傅聪谈德彪西《平原上的风》丨“我是不赞成米开兰杰利的弹法,他不懂这个深刻的意义,他是钢琴弹得好得不得了。”;6、印象主义特征在德彪西作品中的体现丨“他把20世纪的音乐与19世纪分开,这与贝多芬把19世纪音乐与18世纪分开的功绩一样伟大!” 7、演奏德彪西钢琴组曲《版画集》需要注意的地方丨如何更好地体现薄雾般的朦胧效果?8、如何演奏德彪西钢琴练习曲丨要具有控制音色微妙变化的能力,使音乐在手指的抚摸下自然地流淌出来,让手指融化在音乐之中而非敲击键盘;9、浅析德彪西在作品创作中的音乐语言丨他既不盲目的继承也不恪守古老规律的束缚,凡是值得吸收的,他都再次塑造,使其和自己个性融为一体;10、德彪西前奏曲《帆》的节奏分析丨理解德彪西,不能忽视其独具匠心的节奏!11、演奏德彪西《12首钢琴练习曲》要注意的地方? 12、德彪西:“送给我可爱的小秀秀”丨如何演奏《小牧童》? 13、心疼女儿练琴枯燥,德彪西写了这首作品丨如何演奏《博士》练习曲?14、德彪西早期印象派风格的大胆尝试丨如何演奏《贝加莫组曲》?15、这是印象派时期唯一出版成集的练习曲丨德彪西《钢琴练习曲》独特创作风格探究;16、  演奏德彪西钢琴作品该如何触键?17、训练琶音,请选择德彪西《为复合琶音而作》的钢琴练习曲;18、“我的作品不是革命”丨拉威尔《水的嬉戏》与德彪西《水中倒影》的比较聆听;19、“音乐中的德彪西主义与绘画中的印象主义和诗歌中的象征主义是同义词!” 20、德彪西之前,从未有人用钢琴语言描述如此陌生的世界丨米开朗基利弹到入神之处,他本人就不在了……;21、德彪西百年,来听他的编号100的作品《版画集》(Estampes,L.100);22、德彪西音乐风格导论丨从调性、音色、旋律角度看;23、德彪西《儿童乐园》乐谱分享丨这部作品“献给我亲爱的小女儿”;24、科奇什演奏德彪西《儿童乐园》;25、米开朗杰利演奏德彪西《儿童乐园》

Copyright © 2020 All Rights Reserved 版权所有 云南乐器网社区